A

T

우 리 는 그 토 록 찾 던 무 지 개 를 발 견 하 자 그 시 작

곳 으 로 향 하 였 다 그 곳 에 도 착 하 자 무 지 개 는 이

미 사 라 져 버 렸 고 무 지 개 가 끝 나 는 곳 을 바 라 보

자 도 마 뱀 처 럼 꼬 랑 지 만 남 겨 놓 고 도 망 가 는 무

지 개 를 볼 수 있 었 다 우 리 는 증 표 로 짤 려 진 꼬 랑

지 를 각 자 의 심 장 에 나 눠 가 지 고 왔 다 그 것 은 심

장 에 녹 아 다 시 꺼 내 볼 수 없 어 사 실 증 표 의 기 능

을 할 수 는 없 었 다 산 넘 어 산 고 개 넘 어 고 개 강 건

너 강 무 지 개 너 머 의 생 각 에 대 한 의 문 이 풀 리 는

것 같 았 다 엄 마 의 말 대 로 모 든 것 의 해 답 은 긍 정

이 었 으 며 삶 은 꼬 랑 지 를 심 장 에 넣 은 자 들 이 품

고 있 는 긍 정 만 큼 살 아 나 간 다 는 것 을 알 게 되 었

다 무 지 개 너 머 의 회 의 는 이 제 사 라 졌 다 죽 어 도

살 아 야 한 다 는 모 순 처 럼 긍 정 은 끝 이 기 도 하 고

시 작 이 기 도 하 였 다 이 제 나 는 무 지 갯 빛 으 로 뛰

고 있 는 심 장 을 가 졌 고 무 지 개 너 머 에 관 해 서 는

궁 금 해 하 지 않 기 로 하 였 다 이 제 너 에 게 키 의 세

배 가 넘 게 커 질 수 있 는 긍 정 의 꼬 랑 지 조 금 나 누

어 주 리 라 이 공 공 팔 공 칠 이 일 일 칠 사 삼 오 칠 에

ART WORKS

TALK TALK

C

최근 4-5년간 지속적으로 ‘삶의 여정’을 작업의 테마로 여러 가지 매체로 추구해오고 있습니다. 거울 위에 그림을 선묘하고 그 위를 다시 얇은 한지를 펴 발라 이미지가 선명하게 보이지 않는 화면으로 불확실한 현재와 미래에 대한 전망을 표현하기도 했습니다. 그의 화면에서 헬맷을 쓰고 스쿠터를 타고 첩첩 가로막힌 산길이나 구름 위를 홀로 가는 인물은 작가 자신이기도 합니다. 이번 전시에 그는 무지개의 한 끝을 발견하고.....

MOMA

MOMA in RED, RED in MOMA, NY

CRITICS

Page 1

YANG,

HYUN

JUNG

www.art-tune.com

News feed B

tempus ut aliquet eu blandit vel magna Fusce nec orci eget tellus sodales vehicula Maecenas condimentum lectus vel eros Donec id felis et metus

ART WORKS
2007-2011
2004-2006
2001-2003
1995-2000
0000-0000

ART WORKS

2007-2011

Infinite Loop

Exhibition view

Exhibition view

Exhibition view

Exhibition view

Exhibition view

Exhibition view

Exhibition view

Exhibition view

2004-2006

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2005view.jpg

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2001-2003

A Wish to return to the original seat !

Sometimes, we lose much of what we have by a desire to own too much,

which is true in painting, in people and even in our life ..........

However, there are something which are being supported by that passion.

My picture, people in company with me, and my life .........

Although my pictures can't be made in turning - as a variety of distorted rhythms

in the complicated bizarre of things are turning in order - which are my humble wish

and hope to turn things in the right place.

To my teachers who saved no efforts in taking a rod of correction and encouragements;

to my juniors, seniors, my classmates in the atelier and my parent who always watched

me with silence, I wish, sincerely, pass my heart felt thanks !

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1995-2000

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C

CRITICS

2009

2007

2006

2005

2004

2001

CRITICS

2009

2007-1

염 혜 정 | 아트포럼 뉴게이트

양현정 작가는 최근 4-5년간 지속적으로 ‘삶의 여정’을 작업의 테마로 여러 가지 매체로 추구해오고 있습니다. 거울 위에 그림을 선묘하고 그 위를 다시 얇은 한지를 펴 발라 이미지가 선명하게 보이지 않는 화면으로 불확실한 현재와 미래에 대한 전망을 표현하기도 했습니다. 그의 화면에서 헬맷을 쓰고 스쿠터를 타고 첩첩 가로막힌 산길이나 구름 위를 홀로 가는 인물은 작가 자신이기도 합니다. 이번 전시에 그는 무지개의 한 끝을 발견하고 무지개 너머에 무엇이 있으리라는 기대나 의심보다는 현재를 긍정하며 살아가야 한다는 깨달음을 캔버스에 아크릴로 섬세하고 명징하게 표현합니다.

기획전-봄을 기다리며 중 발췌

2007

2007-2

Journey on an Unfamiliar Path

Ryu, Chul-Ha | Chief Curator, Woljeon Museum

Magical Reality

The work of Yang Hyun-Jung observes the meaningless everyday life while adopting the undecipherable situations of reality through compositional methods of line drawing originating from Korean traditional painting. Though life is strange, wretched and repetitious, the road to this tattered life is bright and cheerful. More accurately, it is not so bright or cheerful, but the artist just drives on riding her bike. Without a certain target, goal or prospect, she just goes on, bumping against reality, rolling and turning along the winding paths, which frequently meat dead ends. Then, the rocks become clouds; the clouds become stone bridges, hills, rivers and shimmering rainbows. As if a moment in life became a magical reality, the artist faces an empty landscape, hiding her masked self. On this journey, perhaps a journey of tears unnoticed under the helmet, there are the diverse poses of the self—the artist’s persona. Traces of the mind that do not want to be detected are well-revealed in the work titled Dumulmeori, where a figure anxiously gazes at an empty river as she sits with her arms around her knees and her back to her family. In these various poses, curled up in pain or leaning against a mountain top gazing at water, we see the desire to compose reality in a more cheerful way. Sometimes the figure in the work buoyantly rises up out of a dead end with the help of a rock-cloud. Thus, the mountains, paths, rivers and rainbows are magic that we meet in an undecipherable reality.

Repetition

The expressions of mountains, water, rocks and clouds in the line paintings by Yang Hyun-Jung are icons which have lost their sublime beauty, in the sense that they are expressions of repetitious elements and auxiliary depictions that emphasize the “self” in reality. The roads depicted by these icons are unclear in terms of beginning and end, and are difficult to navigate through if not blocked. Nevertheless, they are not paths to a destination unreachable by humans. Rather, as if to adopt the repetitious life of reality in traditional landscape painting, by using typical patterns of mountains and water, and introducing diverse transformations, the work focuses on revealing reality itself. The patterned river in Dumulmeori leads to expressions of waves like parachute balloon pieces, and the work I Don’t Know tells us about the truth in an instantaneous transposition of reality and fantasy through a bike traveling on an unknown object—perhaps a rock or cloud. In Mountain after Mountain, Hill after Hill, River after River and over the Rainbow, a fantasy is created, connecting clouds, stone bridges, hills, rivers and rainbows. This unlinked chain of metaphors, however, evokes the reality by expressing the looks of reality, which is not sublime and is represented by meaningless repetition, in a not heavy fashion. The Unidentified Couple is a representative example of such repetition, and suggests the regression and uncertainty of the self, which cannot make a distinction between true and false, or real and unreal.

Principle in Life

The pain of the meaninglessness and repetition of daily life, which presents itself as a compulsory motto, forms the three essential factors for one to travel the path. Reason must be equipped with a brain for convenience, sensibility must have a heart of cleverness, and the body must be made of sacred labor. In the background of these principles is the desire of the self that does not want to be hurt. While traveling the pathless path in Korean traditional painting, when the repetitious life sometimes seems meaningless, the artist suddenly but calmly crosses an unfamiliar road on her motorbike. Concealing her face in her helmet, as if life was bright and cheerful……...

2007-1

낯선 길의 여정

류철하 | 월전미술관 학예실장

마술적 현실

양현정의 작업은 해독 불가능한 현실의 상황을 동양화 선묘의 구성방법으로 차용하면서 일상의 무의미를 관망한다. 삶은 낯설고 허접하며 반복적이지만 이 남루한 삶으로 가는 길은 명랑하고 유쾌하다. 정확히 말하면 명랑하고 유쾌하지 않지만 바이크를 타고 그냥 유유히 간다. 딱히 잡히는 일도 목적도 전망도 없이 현실에 부딪치면서 구르고 꺾이고 사방 길이 막혀가며 구불구불 간다. 그러다 바위는 구름이 되고 구름은 돌다리가 되고 고개가 되고 강이 되고 빛나는 무지개가 된다.

삶의 어느 순간이 마술적 현실이 된 것처럼 자아의 가면을 완벽히 감춘 채 빈 풍경을 마주하고 있다. 헬멧에 가린 채, 어쩌면 눈물을 흘리며 갈지도 모르는 길의 여정에는 자아의 다양한 포즈, 작가의 페르소나가 자리한다. 절대로 들키고 싶지 않은 마음의 흔적은 작품 <두물머리>에 가족을 등진 채 무릎을 안고 걱정스러운 듯 빈 강물을 바라보는 장면을 통해 잘 드러난다. 고통스러운 듯 웅크리거나 산의 정상에 기대어 물을 바라보는 다양한 포즈를 통해 현실을 더욱 경쾌하게 구성하고픈 욕망을 볼 수 있다. 때론 사방이 막혀있는 낯선 길을 바위구름을 타고 가볍게 상승한다. 그러므로 산과 길과 강과 무지개는 해독 불가능한 현실에서 만나는 마술이다.

동어반복

양현정의 선묘에서 나타나는 산과 물과 바위 구름 표현들은 표현의 동어반복적인 요소와 현실의 자아를 강조하는 부차적인 묘사라는 점에서 숭고미를 상실한 도상들이다. 이 도상이 묘사하고 있는 길들은 시작도 끝도 명확하지 않으며 구불구불 찾기가 힘들거나 막혀있지만 인간이 가지 못할 어떤 곳을 상정한 길은 아니다. 오히려 현실의 반복적인 삶을 산수에 차용하듯이 산과 물의 표현이 패턴화되어 있고 다양한 변형으로 전개됨으로써 현실 그 자체를 들어내는데 집중하고 있다. <두물머리 1+1=1>에서 패턴화된 강물은 낙하산 풍선조각과 같은 물결표현으로 이어지고 <나는 몰라요>에서 돌인지 구름인지 모른 물체를 타고 가는 바이크를 통해 현실과 환상의 교차가 일순간인 진실에 대하여 말하고 있다. <산너머산 고개너머고개 강건너강 무지개너머...>에서는 구름, 돌다리, 고개, 강물, 무지개가 연관된 환상이 된다. 이 연관되지 않은 비유의 연쇄는 그러나 숭고하지 않으며 무의미한 반복이 나타내는 현실의 표정들을 무겁지 않게, 그리고 다른 매제를 가지고 표현함으로써 현실을 환기한다고 할 수 있다. <정체모를 두 사람>은 이러한 동어반복을 보여주는 대표적인 예로서 진실과 거짓, 현실과 비현실을 구분할 수 없는 자아의 퇴행과 불안을 암시한다.

생활의 신조

일상의 무의미와 동어반복의 고통은 강박적 좌우명으로 나타나는데 길을 가며 요구되는 세가지 필수 요소이다. 즉 이성은 편리의 뇌를 가지고 있어야 하며, 감성은 영리의 심장을, 육체는 겸손한 노동이 돼야 한다는 것, 이러한 신조의 배경에는 상처입고 싶지 않은 자아의 욕망이 자리한다. 동양화로서 길 없는 길을 가며, 반복되는 현실이 때로 무의미하게 다가올 때 작가는 불현듯 바이크를 타고 낯선 길을 유유히 횡단한다. 헬멧에 얼굴을 숨긴 채, 마치 삶이 명랑하고 유쾌한 것처럼...

2006

2006-1

김미금 | 갤러리 도올

양현정의 작업은 한지 대신 거울을, 먹과 모필대신 수정액을 사용한다. 거울판 위에 그려진 형상들은 개자원화전(芥子園畵傳)이나 고사인물도(古事人物圖) 등에 등장하는 괴석이나 수목, 그리고 인물의 도상들로, 전통회화의 맥락에서 임의로 떼어져 정체를 알 수 없는 이미지가 된다. 수정액으로 지우는 대신 도리어 그것으로 드로잉된 형상은 거울 위에 또 하나의 형상을 내비추지만, 그 위에 한지를 쒸운 후 긁어내는 행휘는 거울의 투사기능을 흐릿하게 만든다. 덮어진 한지 역시 스스로 재현적 기능을 상실하고 있다. 이로써 맹복적으로 답습되어온 옛그림의 도상은 작가가 연출한 화면 속에서 새로운 의미를 지니게 된다. 그곳에는 전통에 대한 이분법적 구분과 회의, 당위성과 의무감에 대한 소리없는 저항이 스며있다.

기획전 한국화 3인의 매체와 풍경 - 지필묵 삼매경 중 발췌

2005

2005-1

흐릿한 거울과 불투명한 이미지의 경계 그 너머

김준기 | 예술학

양현정의 ‘나눠지지 않는 어떤 것’에 관한 이야기는 명쾌하게 구분하여 가를 수 없는 진리와 허구, 전통과 현대, 동양과 서양, 자아와 타자 등의 이분법적인 장치들의 경계 위에 서서 양자의 구별짓기를 헝클어트리는 데서 출발한다. 그는 거울 위에 그려 넣은 전통회화 변형도상 위에 한지를 씌워 흐릿하게 만듦으로써 대상을 비추는 거울의 투사 기능과 회화의 재현 기능을 애매하게 만드는 거울그림 연작들을 선보인다. 깨진 거울을 색색의 한지로 감싼 후 벽면의 라인 드로잉과 결합한 설치작업은 화려한 이미지 안에 날카로운 파편을 숨겨놓음으로써 파괴와 단절이 생명과 연대와 교차하면서 공존하는 상황을 연출한다. 이렇듯 거울과 유리, 한지와 도상들로 이루어진 양현정의 탈경계의 메시지는 초기작 이래 지속적인 내러티브 축선을 형성했던 조율(tuning)의 연장선상에서 세상을 향해 열린 예술가의 마음을 담고 있다.

1.

거울그림 연작들은 스스로 자신을 정의할 수 없는 애매한 상황에 관한 해답을 찾는 과정에서 불확실한 실체를 드러내는 것에 초점을 맞춘다. 그의 작업은 천형처럼 자신을 따라다니는 한국화 또는 동양화로 불리는 회화방법을 재해석하면서 또 다른 세계로 열린 회화의 가능성을 타진하기 위해 중국의 화보집 개자원화전(芥子園畵傳)에 나오는 산수화 도상들을 재해석하는 데서 출발한다. 도상 차용의 범본인 개자원화보는 엄밀히 따지면 청나라 초기에 만들어진 중국 그림 교재이다. 16세기의 중국그림을 전통으로 받아들이고 맹렬히 따라 그려야 했던 그는 도상의 변형과 재맥락화로 전통회화의 문제에 대한 돌파구를 찾기 위해서 선묘로 이루어진 전통회화의 도상들에 거의 위해에 가까울 정도로 비틀어 버린다.

양현정이 산수풍경 도상들을 가져다 쓰면서 모필을 수정액으로, 종이를 거울 판으로, 일필휘지를 꼼꼼한 개칠로, 재현적 도상을 한지에 가려진 개념적인 유희로 전환해낸 것은 어느 한 꼭지점에 자신을 고정하지 않고 현대미술의 두터운 지형 사이를 자유롭게 떠돌아다니고자 하는 예술적 일탈의 표명으로 보인다. 그는 옛그림의 도상과 한지를 사용함으로써 전통회화의 맥락에 접근하면서 동시에 시각예술의 탈장르화를 시도하고 있다. 이것은 단순히 시각적 차원의 환기를 넘어서는 시각예술가로서의 정체성 확인 작업과도 연결된다. 양현정이 이야기하고자 하는 것은 먹과 종이, 유채물감과 캔버스의 간극을 근원적인 차원에서 인정하되 접점을 형성하는 데 있어서는 보다 유연할 필요가 있다는 제안인 셈이다. 요컨대 장르와 매체의 구분은 시각예술의 큰 틀 안에서 하나의 방법적인 차이로 드러나는 문제일 뿐, 물질 그 자체의 구속력으로 인해서 예술의 정신성마저 고정된 틀을 벗어나지 못하는 갑갑한 상황에 대해 스스로 해결지점을 찾아 나선 것이다. 박제화한 전통의 물질성에 귀의하기 보다는 예술의 정신성을 축으로 순환하는 구조로 나아가야 한다는 것이다.

2005-2

거울과 그림과 한지로 이루어진 이 작품들은 매우 다층적인 구조를 가지고 있다. 거울 위에 한지를 발라 대상을 투영하는 거울의 기능을 없애고, 거울 앞에 선 견자(見者)는 자신의 모습을 흐릿한 실루엣으로만 볼 수 있게 하며, 완전한 불투명이 아니라 보일 듯 말 듯 한 애매한 상황을 만들고, 거울을 감싸는 한지가 양현정 무늬에 의해 또 다른 시지각의 지층을 확보한다는 점에서 그렇다. 따라서 이렇듯 여러 층위가 쌓여있는 거울 그림들은 뚜렷하게 형상과 의미를 파악할 수 없게 만드는, 그림이 잘 보이지 않는 그림인 것이다. 이러한 장치는 관객으로 하여금 눈앞에 존재하는 거울과 한지가 뒤엉킨 대상을 정면에서 또는 옆에서 시점을 이동하면서 꼼꼼하게 관찰하도록 만든다. 보이지 않는 이미지를 보기 위해 시지각을 환기하는 효과를 유발한다. 그림을 보는 사람은 계속 움직이면서 가려진 이미지를 찾아내도록 애를 쓰게 만드는 것이다. 정면에서 도상들을 보려고 하면 어렴풋하게 투영된 자신의 실루엣과 뒤섞인 한지에 가려진 선묘의 일단을 부분적으로 파악할 수밖에 없다. 그려진 도상 이미지 읽기를 방해하여 시지각의 연쇄 고리가 끊어지는 상황에 직면한다. 따라서 그의 거울 그림은 관람객 자신의 흐릿한 윤곽과 수정액 드로잉 이미지들과 불투명과 반투명을 반복하는 양현정 무늬가 겹쳐지게 함으로써 작품과 관객 사이에 미묘한 긴장과 갈등을 만들어내는 섬세한 다층 구조의 작품이다.

2.

양현정은 존재하는 실체로서의 달의 이면을 볼 수 없다는 이유 때문에 인식 영역 밖의 것으로 처리할 수밖에 없었던 스코틀랜드 에든버러박물관의 달 모형을 통해서 ‘존재하는, 그러나 알 수 없는’ 영역에 대한 깨달음을 얻는다. 100여 년 전에 만든 달 모형은 당시에 천체 망원경을 통해 수집한 정보에 입각해서 만든 것이었는데, 달의 전면은 분화구와 계곡 모습 등이 제대로 묘사되었지만 그 배면은 그냥 반질반질한 면으로 처리했다는 것이다. ‘존재하는 실체’에 미치지 못하는 시지각과 인식의 한계 상황을 명확하게 드러낸 것이다. 그의 거울 그림도 이와 같이 명쾌한 재현 이미지를 만들기보다는 옛 그림 범본의 도상을 이미지 게임의 장으로 끌어들임으로써 비가시적인 실체에 관한 인식의 한계 상황과 겹치게 만드는 구조를 가지고 있다.

거울그림 연작들은 끝 간 데 없이 이어지는 길, 다가왔다가 이내 사라지는 물길을 통해서 불완전한 순환구조를 발견하기도 하고, 전통회화 영역이 밥그릇의 문제로 귀속되는 상황에 대해 '밥그릇 지우기' 작업을 통해 은근히 도발적인 메시지를 던지기도 한다. <흐르는 계곡>은 바위로 이루어진 산과 산 사이에서 흐르는 계곡물이 그 발생과 근원을 알 수 없을 정도로 뜬금없이 흐르는 상황을 보여준다. 근원을 알 수 없는 흐름에 대한 부정의 긍정인 셈이다. <끝없는 길>은 길이 날 수 없는 곳에 길을 만들어 냄으로써 어떤 목표지점을 향해 뚫린 길이 아니라 제대로 갈 수 없는 끝없는 길로 이어진다. 불확정적이고 비가시적인 예술가의 끝없는 고행의 길을 암시하고 있다. 시작도 없고 끝도 없는 길인 것이다. <길을 찾을 수 없는 길> 또한 바위산을 타고 꼬불꼬불 돌고 도는 길의 연쇄 고리를 보여준다. 병풍식으로 이어붙이거나 두 조각의 평면으로 이루어진 <떠도는 돌> 또한 대지에 뿌리박은 굳건한 바위가 아니라 둥둥 떠다니는 바위들을 그린 것이다. 그의 괴석 이미지는 전형적인 산수의 바위 이미지들을 변형한 것들이다.

2005-3

<다가왔다 사라지는 강>은 위에서 아래로 이어지는 강줄기는 원근법적 시각에 의해서 굵어졌다가 다시 가늘어지는데 이것 역시 생성과 소멸을 한 판에 담아 혼란에 빠진 기이한 현실을 보여준다. <꽃을 찾을 수 없는 꽃>은 선묘로 이루어진 국화 송이들의 연속을 통해서 가시적 실체로서의 대상을 정확하게 파악할 수 없는 혼란스러움을 보여주고 있다. 국화꽃 덩어리 그림에서는 또 다른 비평적 논점을 제시한다. 그는 밥그릇 속에 담긴 국화꽃 덩어리를 그린 연필 드로잉 <난제>를 제시한 후에, 동일한 모티프의 거울 그림 <사라진 그릇>에서는 밥그릇의 선을 생략한 채 꽃덩어리만 보여준다. ‘밥그릇에 담긴 꽃’과 ‘밥그릇 없는 꽃덩어리‘가 은유하는 것은 밥그릇을 없애면 난제가 해결될까 하는 질문을 담고 있다. 전통회화에 대해 정의내릴 수 없는 상황이지만 그릇을 비우고 해결의 방안과 긍정의 지점을 찾아내고자 하는 젊은 작가의 마음을 담고 있는 것이다.

붉은 색 테이프를 이용한 라인 드로잉과 한지로 감싼 유리 파편으로 이루어진 벽면과 바닥의 설치작업 <난제들...>은 ‘봐도 알 수 없는 거울’에서 나온 핏줄이나 식물의 줄기와도 같은 선들이 유리 파편들을 연결하고 있다. 멀리서 보면 상당히 장식적인 식물 이미지를 가지고 있지만, 가까이 다가서면 날카로운 유리파편들의 신경질적인 위협에 의해 불가해한 상념에 직면한다. 날카로운 파편에 담긴 파괴와 상처의 이미지를 여러 가지 색의 한지로 감싸서 반투명의 또 다른 감성을 자극한다. 붉은 색 계열의 한지로 감싼 유리 파편들은 붉은 테이프 라인 드로잉에 의해 개별적인 파편의 단절을 넘어 마치 혈관이나 식물의 줄기와도 같은 선들에 의해 수많은 생각의 파편을 이어주는 연결고리에 의해 부유하는 개별자로서의 새로운 네트워킹을 형성한다.

양현정의 거울과 유리 작업은 ‘보려고 해도 보이지 않고 보여도 알 수가 없는 것’들에 대해 그냥 흘러가도록 내버려 두는 유보의 입장을 선택한다. ‘이 세상의 모든 것은 변한다’는 것만 빼고 모든 것이 변한다. 불변의 진리란 존재하지 않는다는 것이다. 이러한 세계관을 가진 양현정은 거울 그림 앞에 선 관객에게 묻는다. “당신 자신이 보이십니까?” 이러한 질문은 완만하면서도 예리하고, 따뜻하면서도 차가운 색의 느낌을 주며, 보일 것 같으면서도 보이지 않는 반투명의 거울 앞에서 관객을 끌어들이는 적극적인 장치로 작동한다. 그는 다시 묻는다. “내 그림을 한국화라고 할 수 있는가?” 그의 대답은 자명하다. “구분하지 말 것!” 흐릿한 거울과 불투명한 이미지의 경계 그 너머에 있는 또 다른 인식과 감성의 틀은 바로 이 지점에서부터 새롭게 열린다. 경계를 넘나들며 고정된 의미망을 벗어나려는 양현정은 이렇듯 야무진 해답을 가지고 어느새 흐릿한 거울 앞으로 우리를 불러 세운다

2004

2004-1

그녀의 그림은..., 음악이다

유명종 | 시인. 문화비평가

양현정은 2001년부터 자신의 작품에 ‘조율’이라는 아주 겸손한 이름을 지어주고 있다. 조율, 즉 튜닝이란 완벽한 연주를 위해 연주자들이 사전에 벌이는 음맞추기 작업이다. 그러므로 조율이 전제되지 않고는 음악이 완성될 수 없다. 조율이란 스며듦이다. 나는 나이고 나는 마이되 동시에 내가 나이고 네가 나임을 확인하는 작업이다.

양현정이 꿈꾸는 것은 그러나, 조율이 아니다. 조율 다음의 그 무엇이다. 서로에게 깊이 스며들어 만들어낸 새로움이다. 그 새로움을 우리는 음악이라 부르자. 다시 한번 말해보자. 양현정은 음악을 그리는 작가다. 그녀의 모든 그림은 음악 소리를 낸다. 이렇듯 양현정은 질러 말을 걸기보다는 빙 돌아 세상과 조우한다. 독자에게 다가가되 깊이 사유한 다음 살며시 대화를 청하는 것이다. 양현정의 대화법은 이처럼 은유적이다.

이제 그녀의 그림으로 시선을 옮겨보자. 부드럽고 자유로운 선이 보인다. 수직 또는 수평의 선이 반복되는 그림은 마치 고운 물결 같다. 떼어놓고 보면 선이지만, 아울러 놓으면 그것은 선이 아니라 흐름이다. 리듬이다. 울림이고 공명이다. 그 울림은 정적이되 사실은 내적인 역동성이 깊게 스며들어 있다. 왜냐하면 그 울림은 작가 내면 저 깊은 곳에서 우러나온 영혼의 무늬이기 때문이다.

한 두 해 사이 양현정의 그림은 적지 않은 변화를 보였다. 음악성에 대한 탐구는 한결같지만 전체적으로는 많이 단정해졌다. 설명적인 요소들이 단순해졌고, 조형적인 요소도 점차 보이지 않는다. 설명적이고 조형적인 요소들이 물러난 자리엔 자연스럽게 상징과 은유가 자리를 잡았다. 좀더 깊어지고 내면화한 것이다. 문학에 비유해서 말하면 그녀는 산문성을 버리고 시적 이미지를 얻었다.

변한 게 또 하나 있다. 지금까지 양현정은 사각형 그림을 그렸다. 그런데 요즘엔 그림판의 형식을 다양화하기 시작했다. 비정형의 그림판을 보여주기 시작한 것이다. 여기에서 양현정의 상상력의 확장을 발견할 수 있다. 또 어떤 작품은 작은 그림이 모여 더 큰 그림을 만들어 내기도 한다. 그림 속의 그림을 추구하고 있는 것이다. 소설에 비유하면 일종의 액자소설이다. 이런 변화는 작품 전체에 입체성과 역동성을 부여해준다. 변화의 힘을 발견하게 된다.

지금, 양현정은 변화중이다. 나는 그 변화를 즐겁게 지켜보고 있다.

2001

2001-1

The acoustic screens of harmony and balance

Kim, Sang, Chul | President of Kong Pyung Art Center

In the traditional painting, the meaning and value the oriental ink paintings

have in the contemporary world may not remain, unchanged.

Along with the process in the socialistic changes of modern times, the abrupt

changes in the aesthetic views requires a new interpretation and checking

on the overall contents of the traditional plastic values and systems including

the oriental black -ink paintings.

Quite naturally, it is in the young newly emerging generations that such

a will and demands are brought forward. These young generations who are

lively, subjective and have active value systems - in a remarkable

contrast with those of older generations - come to appear, sometimes , as

destroyers ; and, sometimes, as path makers to the traditional value systems.

The experiments sought for by these young generations are the very accumulations

of those contents, which is the indication whereabouts our paintings are today and the

undisputed direction to which our paintings should flow tomorrow. In this respect, we should

watch them with keen interest.

The painter Yang Hyun Jung, belonging to the new comer, also, is no exception from this

category. The spirit of oriental - black- ink that comes out throughout her works is

a good showcase that she has gone, beforehand, a great many experimental process in the

world of oriental black ink paintings together with good understanding them as well.

But, her paintings have quite different meanings and directions from the traditional virtues,

say, techniques of splendid brush touch, composition of black ink, the spreading and

penetration in the paper.

The process of her screen _ making a good suck the thick Korean traditional paper into the

water and to construct a particular materiality either by scratching, using a sharp instruments,

or rolling off paper and to construct depth by black ink - may be said ,the so called

,destruction or change to the matter . Such is the general case, besides her, to the painters of

young generation who works mainly on black- ink or Han Ge ( traditional Korean paper ).

They agree, partially, the aesthetic contents or the instrumental functioning, who feel, however,

that are not enough to express their plastic languages. To satisfy those requirements

they changes the materials suitably to their temperaments and put such changes as one of

the most important factors in their workshop.

The finger board of the piano of white and black color which is thick and heavy on the canvas

; or the screen of the painter, the splendid curved lines makes, are much sensual.

Sometimes, on any cases, they presents to, on- lookers, complicated feelings; but, not rigid or

estranger which may be called her strong points of expression.

This is the indication she has on her plastic languages and , at the same time, a firmer

foundation on the understanding she makes to her paintings.

The fact that screens are induced in a set frame of order although they are liberal and without hindrance, are sure indication that she has a firm grasp on the materials to be expressed as well as her instinctive feeling on the management of her painterly language.

A variety of images associated with musical instruments and the like are very crucial

elements to construct the screens of the painter. Through a series of themes which are

being displayed in the name of " Turning , Hearing with closed eyes, A performance for

the closed ears" and the like, the images of instruments coming out through the screens

are not being borrowed by a mere plastic elements, they are a set of contrivances which

have a special functioning and roles. That is to say, the painter try to express the

acoustic message or images by borrowing the visual painterly methods of expression.

The images of musical instruments are the basic signs and key words to pass such kinds

of massages to the viewers.

The so called " Turning " is the selection of incongruous melodies and sounds.

It is to select evenly each different sounds and melodies, and to set them in the rhythm

of harmony. Turning has it basis on the relationship with neighboring rhythms which is

the harmony and combination. What the writer tries to convey in the message, it may be said,

is the harmony from this incongruity and chord from this discord.

Moreover, the fragments of the world map which are being appeared oddly in the background

of the painter's screen are the very subject, the ' Turning ' of which is just completed.

Although they are explanatory and superficial, the messages of the writer are being appeared

here in a concrete connotation. Of course, the painter doesn't see and mean directly a certain

contents of messages by this " Turning "; but, we can surmise, from them, that they includes in a variety of discrepancies, absurdity, and incongruities that may be happen in the affairs

of human life. The painter's screen which puts much emphasis on the acoustic beauty of

feeling and hearing than the beauty of sight is dispersed in the rhythm of movement

throughout her works. The curved lines which are being made by the flowing of the

musical tune and the symbolic images of instruments which make appearance in the screen,

- by those hearing and feeling - are contrivances housing in the characteristic treats of

picture. In recent date, these signs and images are becoming simplified or omitted gradually

as well as being idealized. The screens are turning into dualistic organization based on the

contrast; the images are coming to appear in a most simplified forms.

This is an another sign of turning point for the writer which is also a reflection on the

view of her life which changes with the passage of time.

Generally,the writer secures a certain forms of stability in the interpretation and construction

of plasticity. Especially, the sensual response and plastic treatment in the screen are sure

sign that the writer has a capacity and passion on her work. The problem is on how

she can treat the images which are being expressed directly against the screen.

The harmony of the strongly cut images with the background of special characteristics is

the task the writer have to solve.

We will watch her with keen interest on the solution by her passion on the workshop

and her sense formation of plastic language.

2001-2

조화와 균형의 청각적인 화면

김상철 | 공평아트센타 관장

전통회화에 있어서 수묵이 가지는 의미와 가치가 오늘에 이르러서도 여전히 같은 것일 수는 없을 것이다. 근, 현대라는 사회적 변천과정과 더불어 급격한 심미관의 변화는 수묵을 비롯한 전통적인 가치와 형조세계 등 전반적인 내용들에 대하여 새로운 해석과 점검을 필요로 하고 있다 할 것이다. 이러한 욕구와 의지가 잘 드러나고 있는 것은 단연 새롭게 등장하고 있는 청년 세대들의 작품들에서 일 것이다. 기성 세대들과는 뚜렷이 구분되는 발랄하고 주관적이며 능동적인 가치관을 지 닌이들은 이른바 전통이라는 기성적인 가치에 대하여 때에 따라서는 파괴자의 모양으로, 또 경우에 따라서는 개척자의 모양으로 나타나곤 한다. 이들이 진행하고 있는 실험과 모색은 바로 이러한 내용들에 대한 집적일 것이며, 이는 오늘의 우리 그림이 자리하고 있는 솔찍한 현주소일뿐 아니라 내일을 자리매김할수 있는 가장 분명한 좌표라는 점에서 관심있게 지켜 보아야 할 것이다.

작가 양현정 역시 이러한 부류에 속하는 신진작가라 할 수 있다. 작업 전반에 걸쳐 나타나고 있는 수묵의 기운은 작가 자신이 전통적인 수묵에 대한 학습과 이해가 전제되었음을 잘 보여주는 것이다. 그러나 이러한 작가의 수묵은 전통적인 수묵의 덕목들, 예를 들자면 유려한 운필의 묘나 묵운의 구사, 번짐과 스밈 등과는 전혀 다른 내용들이다. 두터운 한지를 물에 불리고 이를 날카로운 도구를 사용하여 긁거나 밀어내어 독특한 화면 질을 구축하고 여기에 담묵으로 깊이감을 형성해 나아가는 작가의 화면은 일종의 물성의 파괴, 혹은 물성의 변화라 할 수 있다. 이러한 경우는 비단 작가의 국한된 것이 아니라 수묵, 혹은 한지를 위주로 작업을 하는 신세대 작가들의 작업에 보편적으로 나타나는 양태들이다. 즉 이들은 수묵, 한지와 같은 전통적인 재료들이 가지는 심미적내용, 혹은 도구적 기능 등에 대해서는 일정부분 동의하지만, 오로지 그것 만으로는 자신의 조형언어를 표출하기에는 부족하다고 여기는 경우이다. 이러한 욕구를 충족시키기 위하여 물성 자체를 자신에 맞게 변화시킬뿐 아니라, 이러한 변화 자체를 작업의 중요한 내용으로 삼는 것이다.

이렇게 구축되어진 두텁고 무거우며 깊이 있는 바탕 위에 흰색과 검은 색의 피아노 건반, 혹은 현악기의 유려한 곡선들이 나타나는 작가의 화면은 다분히 감각적인 것이다. 경우에 따라서는 번잡스러운 면이 없지 않지만 경직되거나 생경하지 않은 것은 장점이다. 이는 작가 자신의 조형에 대한 감각을 드러내는 것임과 동시에 현재의 작업에 대한 이해가 바탕이 되어 있음을 말해주는 것이다. 분방하고 거침없으되 이를 일정한 질서의 틀 속으로 귀납할 수 있음은 바로 재료 자체에 대한 장악 능력과 이의 조형적 운용에 대한 본능적인 감각에서 비롯된 것이라 할 수 있다.

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악기, 혹은 이와 연계되어지는 다양한 이미지들은 작가의 화면을 구성하는 중요한 요소들이다. 주로 [Tuning], [눈감고 들어보기], [막힌 귀를 위한 연주] 와 같은 명제들을 통하여 볼때 작가의 화면에 나타나는 악기의 이미지들은 단순히 조형적 요소로서만 차용된 것이 아니라 특정한 기능과 역할을 하는 일종의 장치라 할 수 있을 것이다. 즉, 작가는 회화라는 시각적 표현방식을 빌어 청각적 메시지, 혹은 이미지를 표출하려 하고 있는 것이다. 악기의 이미지들은 바로 이러한 메시지를 전달하는 기본적인 부호이자 이를 읽어낼 수 있는 키워드인 셈이다.

이른바 [Tuning]이란 부조화한 음과 소리들을 고르는 것이다. 각기 다른 성질의 소리와 음을 고르고 걸러 이들을 조화롭게 자리잡게 하는 것이 바로 조율인 것이다. 조율은 개개의 소리가 가지는 개성의 가치보다는 이웃한 음과의 관계가 기본이 된다. 이는 바로 조화이다 화합이다. 작가가 전달하고자 하는 메시지는 바로 이러한 부조화로 부터의 조화, 불협화음으로 부터의 화음 찾기와 같은 것이라 말할 수 있을 것이다. 더욱이 작가의 화면바탕에 언뜻 언뜻 들어나고 있는 세계지도의 단상들은 바로 다름아니 작가의 [조율]이 이루어 질 대상인 셈이다. 비론 설명적이고 피상적인면이 없지 않지만 작가의 메시지는 이에 이르러 비로서 구체적인 것으로 들어난다 할 것이다. 물론 작가의 이러한 [조율]이 어떠한 내용들을 적시하고 있는지는 분명치 않지만 그것은 아마 인간사에서 발생되는 온갖 복잡 다단한 갈등과 불합리, 부조리 등과 같은 내용들을 포괄하는 것임은 충분히 미루어 짐작할 수 있는 것이다. 보기보다는 듣고 느끼는 청각적인 미감을 강조하는 작가의 화면은 일종의 리듬과도 같은 율동감들이 산재해 있다. 음반의 흐름이 만들어내는 곡선이나 오선에 의한 화면의 분할, 그리고 여실하게 드러나는 악기들의 상징적인 형상들은 바로 이러한 듣고 느끼는 것으로서의 그림이라는 특징적인 내용들을 담보하는 장치들이다.

근작에 이르러 이와같은 특징적인 부호와 형상들은 점차 단순, 간략화 될 뿐 아니라 관념화되어가는 경향으로 보이고 있다. 화면은 대비를 바탕으로 한 이중적인 구조로 전환되고, 형상을 극히 절제된 모양으로 나타나고 있다. 이는 작가의 작업에 있어서 또하나의 변화를 예시하는 단서일 뿐 아니라 연륜에 따라 변화해 가는 삶에 대한 작가의 단상이 반영된 결과라 할 것이다.

전반적으로 작가의 작업은 재료에 대한 해석력과 조형성의 구축에 있어서 일정한 안정성을 확보하고 있다고 보여진다. 특히 화면에 대한 감각적인 반응과 조형적 처리는 작업에 대한 작가의 재능과 의욕을 잘 보여주는 것이라 할 수 있다. 문제는 점차 단순화 되어가는 화면에서 상대적으로 직설적인 표현으로 드러나고 있는 이미지들을 여하히 처리할 것인가 하는 점이다. 독특한 개성을 지닌 바탕질과 구체적인 이미지를 지닌 강한 형상들의 조화는 목전의 작가의 작업이 당면하고있는 과제라 할 것이다. 조형에 대한 재치있는 감각과 작업에 대한 열정에 기대어 그 해결의 방법을 주목해 본다.

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Infinite Loop Branches

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Getty's Thought

Getty Museum, LA

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